Autore: redazione

Luciano Mazzilli, alias Oçilunam, è un artista e designer cosmopolita. Ha studiato estetica e design a Roma e pittura all’Accademia di Salisburgo. Il magnetismo avvertito nei confronti della luce, del simbolo e della materia lunare si è tradotto in una conversione empirica di questi elementi: lampade e complementi d’arredo. Le creazioni di Mazzilli abitano nell’azienda fondata nel 2003, In-es.art design, ma viaggiano verso diciotto differenti nazioni, partecipando a prestigiose mostre e ricevendo riconoscimenti internazionali. Oltre alla recente esposizione al Fuori Salone per la Milano Design Week, l’azienda vanta la partecipazione alle maggiori fiere di settore, quali Macef ed Euroluce
(Milano), Lighting Collection (Birmingham), Imm Cologne (Colonia), Italian Design Lounge (Dusseldorf), Light and Building (Francoforte) e ICFF (New York). Il nome stesso dell’azienda rivela la dicotomia concettuale del prodotto: in – terno / es – terno, luce ed ombra, materia e spirito, si incontrano in quella terra di mezzo tra arte e design
che sottende l’estetica dell’oggetto. Il fulcro del lavoro “nasce dal caso, in senso dadaista, intriso di passione spasmodica per l’oggetto bello, in senso estetico ed etico”. La fase di progettazione, invece, è densa di materiali e soggetti che attingono al linguaggio
delle arti figurative, come fusioni e incisioni, serigrafia e stencil, c-print e tecnica mista. L’ispirazione, la luna e l’idea concettuale sono gli elementi fondanti delle collezioni In-es.art design, le quali sanno creare un’atmosfera che ha catturato l’attenzione delle
più importanti riviste di settore, di scenografie cinematografiche, televisive e videoclip e di noti interior designer, i quali l’hanno scelta per ristoranti, lounge bar e hotel di qualità. “I miei oggetti partono e finiscono nella luce. La ricerca sta nella risonanza emotiva e spirituale che una forma di luce può suscitare. La luce, se poetica, è l’elemento più vicino all’anima e la sua intensità si rispecchia nelle differenti gradazioni”. Questo appare evidente anche nella piantana ‘mezza luna’, generata per interagire con la persona e l’ambiente che occupa: per accendere la lampada ed agire sul vigore della luce
basta sfiorare lo stelo, scegliendo l’intensità desiderata.
www.in-es.com

Carta e cartone sono i materiali quotidiani che nelle mani di Sandra Di Giacinto diventano gioielli e accessori originali. Diplomata in scultura all’Accademia di Belle Arti
di Roma Di Giacinto si è confrontata negli anni con diversi materiali e tecniche. Nel suo percorso artistico, infatti, si è occupata prima di disegni per tessuti, poi di complementi d’arredo, ma da sempre ha realizzato cornici ed altri elementi con la carta. Materie semplici che, in seguito, sono diventati le parole d’ordine per l’essenzialità e il grafismo dei suoi gioielli e accessori. I suoi lavori si trovano nelle boutique di accessori e negli art shop di importanti musei: Bilbao, New York, Lussemburgo e Roma ospitano le sue creazioni, utilizzate anche sul set di un film di Almodóvar. Il fil rouge che si coglie negli oggetti di Sandra Di Giacinto è quello della rivisitazione della tradizione unita all’innovazione delle tecniche e dei materiali usati. La sua produzione è caratterizzata da linee spezzate,
da colori accesi e soprattutto da materie prime come il cartone e la carta, entrambi sottoposti a trattamenti specifici: spalmati in pvc, metallizzati o resinati. Proprio queste particolarità hanno attratto l’attenzione prima dei musei e, solo successivamente, del circuito commerciale delle boutique. Così, il Palazzo delle Esposizioni di Roma, il Museo di Arte Contemporanea del Lussemburgo, il Museo di Arte e Design di New York e il Guggenheim di Bilbao, hanno cominciato ad esporre e a vendere i suoi accessori. Questo dimostra quanto il richiamo all’arte sia decisivo nelle sue opere. Sandra ha preso parte a “Gioiello Italiano Contemporaneo: tecniche e materiali tra arte e design”, la mostra itinerante che tra il 2008 e il 2009 si è mossa tra Vicenza, Milano, Berlino e Torino. Oggi i suoi gioielli prendono posto in una sofisticata nicchia di mercato che apprezza
il design italiano. “Quello che voglio fare – spiega – è sovvertire i canoni, sostituendo il metallo e le pietre con la carta, e riuscire a ricavare da un materiale semplice, apparentemente povero, gioielli essenziali, grafici, preziosi, con un contenuto innovativo. La ricerca mi porta a racchiudere negli oggetti un’idea, un pensiero, un progetto perché ‘la qualità di un progetto dipende dal grado, sia pur minimo, di cambiamento culturale che innesca’, come sosteneva Enzo Mari”. L’obiettivo è produrre oggetti lussuosi ma ecosostenibili, creati con bassissimo impatto ambientale. “Al tempo stesso vorrei avviare nuove collaborazioni che abbiano però un occhio sensibile e attento per l’arte e l’artigianato”.
www.sandradigiacinto.it

Alessio Gismondi, classe 1961, è il titolare di una ditta di artigiani che realizza pezzi di design in modo romantico e appassionato. Una modalità che corrisponde alla sua visione di questo lavoro, a partire dal suo primo approccio con esso: da adolescente, durante
le vacanze estive, nell’ebanisteria paterna. Oltre al percorso di studi per diventare disegnatore meccanico, la falegnameria di famiglia è stata la sua culla di esperienze lavorative e di collaborazioni con noti nomi dell’architettura e del design. Nel 1995 Gismondi ha rilevato l’azienda rinnovandole nome e stile: Codice a barre si occupa, oggi, della creazione di complementi d’arredo, a tiratura limitata, con il dichiarato intento di trasformare gli scenari quotidiani in luoghi evocativi, mediante l’incontro tra il guizzo del design e la tradizione della materia. Il rinnovo dell’impresa, che opera nel settore da tre generazioni, è avvenuto anche su un altro piano: Alessio ha recentemente restaurato la storica sede di Civitavecchia, che attualmente si estende su quasi 600 metri quadrati, generando una produzione in grado di spaziare dal mobile all’oggettistica, dal negozio all’abitazione, dall’ufficio del sindaco all’interno di un teatro, passando per eventi quali l’International Contemporary Forniture Fair di New York. Il suo approccio, in ogni caso, ha una linea ben precisa: “riuscire a coniugare forma e funzione, applicare un’accurata ricerca su materiali e finiture. Ma soprattutto – spiega – ha l’obiettivo fondamentale di rendere gli oggetti stimolanti e in grado di creare un habitat che sia non solo accogliente, ma che permetta di dimenticare la routine nella quale siamo quotidianamente costretti“. Così, la produzione artistica di Codice a barre rispecchia il pensiero di chi ci lavora, elemento reso evidente dall’attitudine concettuale e inventiva degli oggetti stessi. Il porta cd “vestito” da separè, le sedute modulari (tra cui “Virus”), il tavolino “Guggenheim”, la cui base metaforizza la struttura dell’omonimo museo e, ancora, la scrivania “Virgola”, omaggio estetico alla punteggiatura. “Mi stimola molto collaborare con i giovani – confessa Alessio – mi piace ascoltare diversi punti di vista. Credo che le scuole siano una fucina di nuovi talenti che sfornano continuamente contenuti con i quali confrontarsi“.

www.codicelab.com